科技藝術是跨領域的，「跨域」的珍貴是，沒有特定的理論、沒有特定的方法，卻能發展出具有靈魂的科技藝術作品。台灣要怎麼做到呢？又怎麼靠藝術走向國際呢？
這次透過「回望過去、展望未來：台灣科技藝術發展產業與政策芻議文化論壇」的探討總結，七位講者的豪華陣容：楊忠衡、邱誌勇、王俊傑、王俊傑、侯君昊、施登騰、周琍敏，將帶我們一探究竟。
台灣藝文補助現況：主流的口號，游擊的姿態[1]
現象1：補助對象，微蝦🦐 補助分級，沒有❌
台灣多數補助是直接補助藝術家，這是正確的。不過藝術家不是一個模糊的群體，他們有經驗、成就之分。
目前真正不夠多的是「從0到1」的起步補助、培育計劃或媒合平台。新興藝術家在最仿徨，最缺乏人脈、資源，最不知道業界需要什麽樣的作品，最不知道怎麽學習跟其他領域人才合作的時候，他需要不只是一筆錢，他更需要平台的輔助，一種由中介者、轉譯者介入的輔導服務[2]。
甚至，台灣還有些補助是針對「設備廠商」，以為只要補助「技術」就好了。但廠商不懂內容，也沒有藝術人脈，這導致文化內容被化約為技術展示，失去內涵與藝術性。同時也導致資金短缺的中介機構，沒有辦法成為支撐內容創作的輔導者。
（清華大學藝術學院副院長邱誌勇主講「智能社會與數位轉型下的台灣科技藝術新視野」）
提議A：分級補助💹參考看看？
因此，有效的科藝補助政策需要「分級」，並且除了「從0到1」的起步，也需要「從9到10」成熟階段的補助。
因為，即便同樣投注100萬，不同藝術家的經驗值，會做出不同樣的成效與創作規模，政府應該要對不同階段的藝術家寄予不同的期待值與補助方式。[3]
提議B：不要做無用的後設研究，拜託廢除🙅♀️ 🙅♂️
不少補助政策要求結案要交「觀眾行為研究」。但是，顯然「觀眾行為研究」絕對不會影響到下一個專案。
因為不同空間的觀眾行為，不會影響下一個空間的行為，等於是花很多力氣研究，但卻沒辦法累積有效的資料。
應該要做的研究，是能夠影響下一個專案的機制。例如，模組化。
提議C：要做新研究，可以考慮：模組🦾 🦿
「模組化」不是模仿，是原創的工具，在注重原創性的藝術產業，可不可以被大家所接受？
如果每個補助都在「研發」，那每次研發結果事實上就是專屬該專案，只能使用一次。
因為，科技藝術移展時，面對的空間跟原始空間不一樣，可能需要重新調整投影結合的參數，甚至投影機數量等等，A專案的計劃不能用在B專案上，這樣一次又一次砸錢的補助結果，卻無法永續。[4]
「模組化」才能使歷年的專案有機會幫助到未來的專案。這個世界不需要每個人都從頭發明輪子。
（講者：施登騰）
政府該幫游擊補給還是建立系統？
現象2：沒時間，大家都沒時間🙈
台灣因為歷史養成了一個壓抑的民族性，以致對資源的欠缺產生了無以復加的恐懼，這種感覺導致我們都非常著重於「意識形態」主導，抱著打遊擊的心態，處理事情限於立即性的回應、只想到比較短的未來。
因此，就會缺乏系統性整合的思維，難以產出產業上下游完整的配套。尤其，完整性的討論常常進行到一半就斷掉了，只因為專案補助的期間已經截止，而且抱歉沒有下一期的補助案。[5]
「慢慢來」才是發展藝術的方法。慢慢來指的是有品質，還要去享受創作、試錯的樂趣。當台灣人欠缺時間，就沒有辦法審美，就沒有充分的時間去思考該思考的系統性的細節
（講者：侯君昊）
提議D：👉 MIT👈請典藏台灣作品
為什麼台灣科技藝術在創作人才上有斷層？為什麼台灣多數的補助作品會缺乏人文、社會的關注，缺乏與自身產生關聯？除了上述原因以外，還因為創作者難以關注自身環境，他們失去脈絡，無法產生議題以及怎麼使用聰明的方法去組合所有的想法。
然而，這可歸因於台灣40歲到60歲的成熟創作者的作品缺乏典藏。因此，當下的年輕人只能面對展覽已經結束的事實，甚至「當年」展覽時，他們還沒出生。
台灣Z世代與ALPHA世代的學生們往往沒有看過，甚至不知道他們的學校教授、前輩藝術家的作品，所以他們只有國外大師藝術家的作品可以借鑒，導致與本土脈絡之間的斷裂。
特別是台灣藝術家的作品資料、過往的討論和評論，幾乎沒有公共累積的實體空間或數位空間，致使整個生態既沒有過去也沒有未來，所以新興藝術家變得不知道可以跟觀眾討論什麽。不管是藝術性思考，或是整合敘事的能力，年輕一輩的創作者幾乎被豢養的差強人意。[6]
但是，20年前的科藝作品內涵非常豐富，當時的「年輕」創作者，藝術素養並不完全只來自科技，那個時代是其他的人文素養賦予他們對於科技的未來想象。[7]
如果台灣的藝術，沒有辦法從歷史脈絡去看到未來，便很難面對真正的未來，很難去做一個文化定位。
所以，有年紀、有經驗的研究者、實踐者，應該要把歷史經驗寫下來。再者，這些資料將成為AI參考的知識庫，畢竟，很多AI是屬於資料探刊類型的服務。[8]
（講者：王柏偉）
保護過度的國家👶請Let It Go
現象3：政策意識型態引領創作主題
面對科技藝術競賽，大多數學生想的是：我要設計一個可以把我叫起來的鬧鐘！因為爬不起來目前是他們人生最大的痛點。[9]
那些痛點根本一點都不痛。未來發展的作品怎麼可能有創見、有遠見、有切合社會的需求？
不少高等教育的老師，可能會對現今的藝術學生非常擔憂。學生們的現況是對於藝術性的追求失去敏感度，但是對技術性的追求卻非常狂熱。[10]
以及，他律多於自律，還有，本位主義優於利他主義，團隊合作變成不可能的任務。並且「脆弱」是被鼓勵的，從12年國教到高等教育的現場，如果沒有機會去培育「韌性」的話，如果只要學生說NO就可以什麽都不用做的話，這些現象會產生蠻嚴重的後果。[11]
在台灣內部，血淋淋的事實是，補助與競賽會領導創作內容。現在學生做作品會從最終的目的與效果來回推，是有SOP的。比如先想作品是要去哪裡展覽，就依照對方的需求去設計，主題不外乎是政治正確，談身份認同或台灣主體性，很會扣題。[12]
像是要去韓國展覽就做光州革命（5·18 광주민주화운동），要去香港展覽就做雨傘革命（Umbrella Movement），或者所有的設計獎都在談永續，所有各級學生競賽就是談平等、環保、反毒、反霸凌等等。
現象4：除了錢，政策有投注信心與開放性嗎？❤️🩹
講個小故事：某年某位前輩到韓國去做音樂劇產業交流，看到某製作公司推出音樂劇《瑪莉．居里》（「마리퀴리」(Marie Curie)）。[13]
他想，哎台灣要是有人做一部劇談瑪莉．居里大概是想自殺。所以就問韓國公司，你們這個題材那麽特別？是不是有什麽特別的行銷策略？
對方一句話，前輩就不用多問了。
對方說：「啊～因為我們國家很支持。」
整桌人無語回應。
https://www.youtube.com/watch?v=Adzr5xjdhao
現象5：國際連結的起點在哪裡？
文化部在補助機制裡，對於「專業」的認知到底是什麽？
政府一直強調台灣需要國際連結，那麼「國際化」的「專業系統」到底是什麽？其實是機構的人脈與個體的人脈。
你如果不認識對方，縱使你再有錢，歐洲列國為什麽要給你一個檔期或給你一個場館去展演？
歐美的大博物館或者展演場館，每一個計劃至少是 2 到 3 年去籌劃形成，一個展覽或一個演出不是在半年之內做出來的。如果台灣作品無法被看見，無法提前被國際策展人推薦，那要怎麼走出國際？[14]
台灣現在很多的內容其實難走出國際，因為本土的補助案審核標準有一些固定的意識型態方向。導致這些作品可能欠缺全球性的觀點或格局，但是，台灣的技術很厲害，內容也很棒，確實有資格走向國際。
（講者：王俊傑）
提議E：🦄 Team Taiwan科藝國家隊行不行？
其實，如果這樣思考，如果補助產出「國家級的大型作品」，其實會有更好對外輸出的機會。
補助創作的內容需要可以移展，最重要的目的是，它可以去參加其他國際的展會。展會邀請藝術總監、策展人與會，是希望他們可以幫忙把看上的作品推薦到國際上去。
因為很多國際的大展其實都需要牽線的人，不是直接想去報名就可以參加，一定要透過策展人挑選推薦。那國際策展人為什麽要選台灣的作品呢？誰可以推薦給他呢？
所以說，希望所有的作品都不是一次性的補助結果，而是可以沿著人脈，一路走出台灣的成果。
（講者：周琍敏）
是會膩nih？不會，看再多也很OK
現象6：沉浸式感受，越投入越上癮
双融域（AMBI SPACE ONE）有個經驗很值得跟各位分享。
《RE: 江賢二》數位冥想．江賢二光影沈浸展，兩個多月的展期間，双融域同仁完全沒有反應過他們每天聽覺得很膩。反而，每天聽完都覺得這音樂很好聽，影像很好看，就像是進入了江老師的神性一樣。
所以，其實我們能夠從科技藝術作品獲得感動。尤其沉浸式，那是會讓你真的很深刻的印在記憶體驗裡頭的美感體驗。
所以，台灣真的值得被期待，以高規格、高標準去產出讓世界各地的大家都能感動的作品。[15]
提議F：台灣感性＋國際開放性，完全行得通💡
楊忠衡先生回望過去20年科技藝術的發展史，他發現台灣最珍貴的還是能夠表現出人跟科技的感情。他指出，台灣2010年以後的這段時間發展科技表演藝術這件事情，台灣的確是很獨步的，甚至反倒影響了很多地方，例如中國等地。[16]
所以說，經過2025年這次「回望過去、展望未來：台灣科技藝術發展產業與政策芻議文化論壇」，若探問台灣科技藝術的未來哪裡？
我們可以發現，若是把意識型態丟進垃圾桶，拿出台灣特有的感性，並結合國際開放性，或許就是最好的解答。
（廣藝基金會執行長楊忠衡表示：「科技是新文化塑造的引擎，文化是探照燈指引科技前行！」）
